Fue realizada en el Centro de Arte de Guayaquil-Ecuador el 4 de septiembre de 2007.

Al día siguiente, el Maestro Radziwonowicz ejecutó obras de Paderewsky, Symanowsky y Chopin.

Karol Radziwonowicz: Comencé a tocar el piano cuando tenía 5 años de edad. Nací en una familia de músicos. Mi padre era pianista y fue mi profesor y mi madre es profesora y pianista. Éramos tres niños. Mi hermano es violinista y desde mi niñez yo disfruté mucho tocar el piano y me di cuenta de que ése era mi futuro.

K.: Lo conocí hace muchos años, antes de estudiar con él en los Estados Unidos. Fue en Hungría, cuando él estaba dando clases maestras en Szombathely. Inmediatamente quedé impresionado con su imaginación, musicalidad, con su pianismo también. Debido a que mi padre fue mi primer profesor y él murió cuando yo era muy joven (tenía 18 años cuando mi padre murió), György Sebok fue el segundo profesor a quien tuve que probar mis aptitudes, por lo que fue muy cercano a mí intelectualmente hablando.

Después de las clases magistrales me invitó a sus clases en la Universidad de Indiana y cuando gané  una beca Fullbright pude ir a los Estados Unidos a sus clases. Para mí lo más importante fue su imaginación, su musicalidad durante la ejecución. Siempre les decía a sus alumnos "recuerden que lo más importante es la conexión entre el pianista y el público". Debe existir una cierta sensación de conexión mental. Una forma de retroalimentación. Y eso fue lo más importante que  recuerdo que me enseñó.

Durante un concierto uno tiene que atrapar a la audiencia. Por supuesto hay muchas clases diferentes de pianos y salas de concierto. Pero siempre lo más importante es el público.

K.: Cuando uno toca el piano en un concierto uno no debe pensar en el temor a equivocarse porque si usted tiene miedo, no existe razón para tocar para en público. Lo primero es mantener la concentración antes del concierto, estar en buena forma, no física sino mental. Uno tiene que querer tocar ante el público y sentirlo antes del concierto o del recital. Esto es lo más importante cuando uno siente el miedo. Por supuesto se siente cierto nerviosismo antes de un concierto debido a que cada concierto es diferente. Pero si quiere realmente tocar ante el público, no se siente el miedo y eso no te impide ejecutar. El ser humano no es una computadora, algunas veces uno comete errores durante una ejecución, así es la vida, es natural, es normal. Pero uno no tiene que pensar en los errores: uno tiene que pensar en la música, hay que pensar en la fluidez de la música. Eso es lo más importante. Cuando uno piensa de esta forma sólo hay que dejarse llevar. Sencillamente uno fluye desde la perspectiva musical. Lo que toma mayor esfuerzo para el pianista es convertirse uno sólo con la música. Hablé mucho pero es una muy buena pregunta.

K.: Es una muy buena pregunta. Usualmente yo soy jurado en muchas competencias y pienso que es una de las cosas más difíciles de mi vida debido a que de mi decisión depende el futuro de muchos pianistas y  debo concentrarme en cada competidor. Fui jurado en la competencia Chopin en la ronda Preliminar y el total de competidores eran más de 300 personas, por lo que el Jurado se dividió en dos grupos y cada grupo tuvo que escuchar más de 150 pianistas. Mi opinión personal es que el talento es lo más importante, porque el talento es el futuro. Hay muchos pianistas, muy buenos pianistas que impresionan y que para mí no son tan talentosos pero para mi sorpresa muchos admiran su ejecución. Lo más importante es la musicalidad, tener un talento que pueda desarrollarse en el futuro. Como jurado hicimos un buen trabajo y la prueba es que los competidores uno y diez estuvieron entre los seis finalistas. Desde el principio vimos su talento y su pianismo por lo que pienso que el resultado fue bueno. Se necesita muchísima concentración en cada pianista, en cada ejecución. Es muy difícil por ejemplo escuchar durante 8 a 10 horas casi el mismo programa, es muy cansador. Un día podía haber muy buenas ejecuciones y al otro día muy malas. Recuerdo un día  que habíamos escuchado 9 veces la Polonesa Fantasía, la persona número diez que entró al escenario era una chica de Hong-Kong, muy pequeña y delgada. Al fijarme en el programa digo "Mi Dios, de nuevo la Polonesa Fantasía". Estábamos muy cansados pero desde el momento que ella tocó la primera nota nos despertamos porque de improviso algo estaba ocurriendo y lo vimos de inmediato, ella era una gran pianista.

K.: No lo creo porque la regla general es fluir con la música, sentir la música porque recuerde que se  debe de pensar a dónde nos lleva la música, cuál es su finalidad. Y esto no es sólo para Chopin sino para cada compositor. Por supuesto hay ciertos detalles como en la mazurca, uno debe sentir este típico ritmo polaco, que es la "mazur", de tal forma que tal vez antes de comenzar a tocar una mazurca hay que escuchar los grupos folclóricos polacos para sentir la atmósfera de esta danza folclórica, pero no hay ninguna otra regla.

K.: No. Hay un premio especial para la interpretación de cada forma musical en el Concurso Chopin, y en la Competencia de 1995 el premio fue ganado por un pianista chino. Yo tengo la grabación y es el mejor sentido del ritmo de la mazurca que he escuchado. ¡Increíble!. ¡Y es chino! Martha Argerich también obtuvo el premio por mejor interpretación de la mazurca, y es argentina. No tiene que ver la nacionalidad sino lo que importa que tan musical sea el pianista.

K.: Verdaderamente no lo creo. Por supuesto que hay muchos buenos pianistas, pero. tal vez no deba decir esto pero cuando escucha a un pianista asiático, muchos de ellos suenan igual.

K.: Hice esta grabación debido a que durante la época de Chopin, él únicamente tocó dos veces sus conciertos con orquesta sinfónica. La mayoría de las veces los tocó con un conjunto de cámara, como quintetos o sextetos, porque era muy difícil tener a disposición una orquesta sinfónica, que significaba reunir como 50 personas, por lo que la mayoría de las veces se realizaban con orquesta de cámara. Chopin hizo un arreglo  para orquesta de cámara que desgraciadamente se ha perdido. Mi hermano se dio cuenta, y como además de violinista es compositor y director, realizó su propia trascripción  para quinteto de cuerda y opino que es mejor que si lo hubiera hecho para un cuarteto. En los conciertos con un Quinteto de Cuerdas, el pianista debe tocar diferente que cuando lo hace para una orquesta sinfónica debido a que se debe tocar con menos fuerza el piano. No estoy diciendo que es mejor que la versión con orquesta sino que es una manera diferente e interesante para el pianista y para el público también, debido que cuando se interpreta con una orquesta sinfónica el pianista debe de ser muy estricto con el ritmo para tocar todos juntos y no hay muchas oportunidades para utilizar el rubato que cuando se toca con un grupo más pequeño y es muy hermoso tocar estos conciertos en sitios más pequeños como en un castillo o en un palacio.

K.: Sí. Grabé Paderewski el cual es muy conocido como pianista pero muy poco como compositor, incluso en Polonia. Cuando recibí la invitación para grabar toda su música algunas obras las toqué de manuscritos pero no todas por supuesto. Me di cuenta del excelente compositor que era. Por ejemplo, su mejor obra es la Sonata para Piano en Mi bemol menor Op.21. Es una gran obra comparable a la Sonata de Liszt  o a una de Brahms. El nivel de la música es la misma. Cuando la terminó le escribió una carta a un amigo diciendo "recientemente acabo de terminar mi mejor composición pero probablemente ya no lo haré más porque es extremadamente difícil". Requiere mucho poder del pianista. Es una muy buena obra para un pianista y una muy buena composición. También grabé las composiciones de Zarebsky, que fue un compositor polaco que murió muy joven, a los 31 años. Fue el propio  Franz Liszt que dijo que era su mejor alumno y recibió clases de él en Leipzig. Sus composiciones son muy modernas para su época. Fue profesor en Brasil y el primero en aprender a tocar un piano especial de dos teclados. El teclado de abajo era un teclado normal que iba de los graves a los agudos, pero el de arriba era al contrario, su extremo izquierdo comenzaba con los agudos y ascendía hasta los tonos graves. Vi este piano en Brasil y lo increíble es que lo aprendió a tocar en solo dos semanas. ¡Se pueden imaginar! Inclusive escribió una composición para este instrumento, aunque lastimosamente murió muy joven.

Ésa es una buena pregunta. Primero uno no tiene que pensar qué tan difícil es vivir de la música sino pensar qué tanto disfrutas ser un pianista. Tienes que tener pasión por el instrumento. Cuando sientes esta pasión no importa qué tan difícil o fácil vaya a ser tu vida. Por ejemplo, cuando vas a tocar un concierto y necesitas fuerza física para hacerlo y no has dormido bien o cuando tienes que lidiar con el cambio de repertorio y ese tipo de cosas. Pero una vez que sientes que te comunicas con el público durante el concierto te das cuenta que es lo mejor que  puedes obtener de tu vida.